10 phim hoạt hình Nhật hay và ý nghĩa dành cho t.rẻ e.m trong 20 năm qua
Trước bộ phim “ Em gái đến từ tương lai”, điện ảnh Nhật Bản đã cho ra đời nhiều kiệt tác anime hướng đến t.rẻ e.m với thế giới tưởng tượng đầy màu sắc, giàu tính triết lý.
Spirited Away – Vùng đất linh hồn (đạo diễn Miyazaki Hayao, 2001) : Đây là bộ phim anime thành công nhất trong lịch sử Nhật Bản với doanh thu lên tới 274 triệu USDtrên toàn thế giới và nhận được rất nhiều lời khen ngợi. Đây là tác phẩm duy nhất đến từ xứ sở hoa anh đào giành g.iải t.hưởng Phim hoạt hìnhxuất sắccủa Oscar. Phim cũng nằm trong top 100 phim xuất sắc nhất mọi thời đại. Spirited Away là hành trình phiêu lưu của cô bé 10 t.uổi Chihiro ở vùng đất của những linh hồn. Miyazaki đã tạo ra một thế giới với nhiều nhân vật có chiều sâu, nhiều sự kiện và câu chuyện ly kỳ không tưởng. Phim là một trong những giấc mơ kỳ ảo và xinh đẹp nhất mà Miyazaki nói riêng và Studio Ghibli nói chung mang đến cho nhiều thế hệ, không chỉ riêng lứa t.uổi trẻ em.
The Cat Returns - Sự trả ơn của bầy mèo (đạo diễn Hiroyuki Morita , năm 2002): Bộ phim anime do hãng Studio Ghibli thực hiện kể về Haru,cô bé học sinh trung học 17 t.uổi rụt rè. Haru vô tình cứu chú mèo khỏi bị xe tải cán khi băng qua đường. Chú mèo đó lại chính là Hoàng tử của Vương quốc Mèo. Để trả ơn cô, đức vua quyết định cả vương quốc sẽ làm mọi thứ để đáp lại lòng tốt của Haru. Thật không may là không một “món quà” nào phù hợp với con người và thêm rắc rối là cô buộc phải cưới vị hoàng tử mèo. Vương quốc với nhiều loài mèo đa màu đa sắc, thú vị cùng câu chuyện nhẹ nhàng hài hước khiến không chỉ t.rẻ e.m mà cả người lớn cũngthích thú.
Howl’s Moving Castle - Lâu đài di động của pháp sư Howl (đạo diễn Miyazaki Hayao, 2004). Bộ phim thuộc Studio Chibli, dựa trêntiểu thuyết cùng tên của Diana Wynne Jones là một trong những bộ phim hoạt hình Nhật Bản thành công nhất lịch sử, được đề cử giải Oscar cho Phim hoạt hình hay nhất tại Oscar lần thứ 78 và thu về khoảng 231,7 triệu USD trên toàn thế giới. Phim kể về cô bé Sophie, thợ làm mũ bị lời nguyền của mụ phù thủy già nên biến thành bà lão 90 t.uổi với mái tóc bạc trắng. Cô gái trẻ gan dạ nhanh chóng dẹp bỏ nỗi sợ hãi, chấp nhận sự thay đổi và bắt đầu chuyến phiêu lưu mới. Ở trên tòa lâu đài di động khổng lồ, cô gặp và yêu chàng phù thủy Howl. Nỗ lực hóa giải lời nguyền của Sophie cũng đồng thời là quá trình cô tìm lại trái tim đã đ.ánh mất của Howl.
Tekkonkinkreet (đạo diễn Michael Arias, 2006): Dựa trên series manga ngắn cùng tên, Tekkonkinkreet – tác phẩm đầu tay do Michael đạo diễn giành được nhiều g.iải t.hưởng về mặt nội dung lẫn nghệ thuật. Phim mở ra phong cách anime mới mẻ vừa trung thành với những tạo hình nhân vật 2D nguệch ngoạc giản dị vừa tinh tế, sâu sắc. Hai đ.ứa t.rẻ trong phim như hai ngọn cỏ lay lắt nương nhau để tồn tại dưới đáy xã hội dù bị lãng quên. Cuộc sống của chúng xáo trộn khi những kẻ ngoại lai xuất hiện tuyên bố muốn thay da đổi thịt thị trấn này. Kuro và Shiro bước vào cuộc chiến với thế lực hắc ám mới để bảo vệ thị trấn của chúng, nhưng thật ra lại là cuộc chiến giữa ánh sáng và bóng tối trong con người.
Ponyo – Cô bé người cá Ponyo (đạo diễn Miyazaki Hayao, năm 2008): Bộ phim anime thực hiện bởi Studio Ghibli xoay quanh nàng tiên cá Ponyo, con gái vua biển cả trốn khỏi gia đình dưới đại dương. Tình cờ khi lên tới mặt biển, Ponyo được cậu bé Sousuke nhặt được khi đang bị vướng vào một cái chai. Sousuke đem Ponyo về nuôi và c.ô b.é đã giúp chữa lành vết thương trên tay cậu bé.Lúc liếm vào vết thương của Sousuke, Ponyo đã nuốt m.áu người và trở nên mạnh mẽ không ngờ, có thể biến hóa tay chân tùy ý. Cùng lúc trở thành người thì năng lực đặc biệt của Ponyo cũng từ từ biến mất.
The Secret World of Arrietty – Thế giới bí ẩn của Arrietty (đạo diễn Yonebayashi Hiromasa, 2010): Anime kỳ ảo này đã đoạt giải Phim hoạt hình của năm tại lễ trao giải Viện Hàn lâm Nhật Bản lần thứ 34 và được đ.ánh giá là một trong những tác phẩm xuất sắc nhất của Studio Ghibli. Doanh thu của phim còn thắng lớn ở thị trường thế giới, trở thành phim có doanh thu phòng vé cao nhất Nhật Bản năm 2010. Lòng quả cảm của cô bé tí hon Arrietty chính là bài học lớn về sự kiên cường cho những con người gặp bất hạnh. Nhờ cuộc gặp gỡ kỳ diệu này, cậu bé Sho đã có thêm niềm tin, mạnh mẽ đối diện với ca phẫu thuật. Câu chuyện của Arriety phảng phất chút hồn nhiên của trẻ thơ và cách nhìn của người lớn về thế giới với một góc độ hoàn toàn khác, giúp phim chạm đến trái tim của nhiều lứa t.uổi.
A letter to Momo – Thư gửi Momo (đạo diễn Okiura Hiroyuki, 2011): Phim xoay quanh câu chuyện cảm động đan xen nét hài hước, đáng yêu với tinh thần nhân đạo sâu sắc. Tác phẩm được dịch ra nhiều thứ tiếng và công chiếu ở nhiều nước. Phim được trao giải xuất sắc tại Liên hoan Nghệ thuật truyền thông Nhật Bản năm 2011 hạng mục anime. Phim theo chân cô bé Momo từ Tokyo cùng mẹ chuyển đến sống trên hòn đảo nhỏ. Hành trang của cô bé khi đặt chân tới đây chính là nỗi đau mất cha, sự hối hận vì đã cãi nhau với ông vào lần gặp nhau cuối cùng. Ở nơi đây, Momo gặp ba con yêu quái rắc rối. Sự xuất hiện của chúng làm xáo trộn thế giới tràn ngập u buồn của cô bé, giúp cô lấy lại sinh khí, thoát khỏi mặc cảm và dũng cảm bắt đầu cuộc sống mới.
Wolf Children – Những đứa con của sói (đạo diễn Hosoda Mamoru, 2012) : Phim là câu truyện cổ tích tuyệt vời về gia đình nhỏ, giấu một bí mật lớn xuyên suốt 13 năm kể từ khi cô sinh viên Hana gặp gỡ và phải lòng anh chàng người sói. Sau khi kết hôn, Hana sinh được hai đ.ứa b.é người sói. Khi chồng cô đột ngột qua đời, Hana quyết định chuyển đến một thị trấn hẻo lánh cách xa thành phố và một mình nuôi dạy hai con. Cô vừa nhẫn nại chăm sóc, bảo vệ chúng khỏi hiểm nguy vừa dạy chúng về thế giới xung quanh và tiếp nhận bản tính thật dù là người hay sói. Ngoài tình mẫu tử cao đẹp, phim còn khắc họa tình yêu thiên nhiên, cuộc sống và quan trọng là chấp nhận sự khác biệt ở mỗi người.
The Tale of Princess Kaguya – Nàng công chúa Kaguya (đạo diễn Takahata Isao, 2013): Takahata Isao đã truyền tải câu chuyện dân gian Nàng tiên ống tre vừa mộc mạc vừa có chiều sâu cảm xúc, xóa nhòa giới hạn của những đường vẽ. Như Mononoke, như Chihiro và nhiều nhân vật nữ khác của Ghibli Studio, Kaguya cũng là cô gái đến t.uổi trưởng thành trên hành trình đi tìm chính mình. Trên nền chuyện xưa tích cũ, phim được thổi vào luồng gió mới, tư tưởng hiện đại giữa bối cảnh phong kiến cổ xưa. Phim thuộc thể loại cổ tích, thần thoại, nhiều màu sắc nhưng cũng giàu tính hiện thực và thích hợp cho mọi lứa t.uổi. Phim nhận đề cử Phim hoạt hình xuất sắc nhất tại giải Oscar lần thứ 87 .
The Boy and the Beast – Cậu bé và Quái thú (đạo diễn Hosoda Mamoru, năm 2015): Câu chuyện xoay quanh chuyến hành trình của cậu bé Ren mới chỉ 9 t.uổi khi mẹ qua đời và bị người cha bỏ rơi. Chú bé có bản tính mạnh mẽ và ngang bướng quyết định bỏ nhà ra đi. Trong một lần lang thang ở khu Shibuya, Ren lạc vào thế giới song song Juutengai – nơi tồn tại các loài siêu thú khổng lồ có khả năng nói chuyện như con người. Tại đó, cậu gặp gỡ Kumatetsu (Kji Yakusho), linh thú mang hình hài gấu và đang tìm kiếm truyền nhân. The Boy and the Beast nhận vô số lời khen ngợi nhờ phần đồ họa cuốn hút và cách kể chuyện thuyết phục . Các nhà phê bình tại xứ sở hoa anh đào đ.ánh giá rất cao bộ phim và so sánh The Boy and the Beast với câu chuyện kinh điển Cậu bé rừng xanh hay sự màu nhiệm giống với loạt Harry Potter, với trung tâm cũng là câu chuyện về sự trưởng thành.
Trailer bộ phim ‘ Mirai: Em gái đến từ tương lai’ Tác phẩm hoạt hình mới của đạo diễn Mamoru Hosoda, kể về cuộc gặp gỡ giữa cậu bé 4 t.uổi và người em gái trở về từ tương lai.
Hoàng Linh
Theo Zing
"Mirai: Em Gái Đến Từ Tương Lai" - Hài hước, dễ thương nhưng đầy tiếc nuối
"Mirai: Em Gái Đến Từ Tương Lai" mang không khí dễ chịu và đáng yêu giữa hai anh em Kun và Mirai.
Mirai: Em Gái Đến Từ Tương Lai là bộ phim mới nhất của đạo diễn Mamoru Hosoda - cái tên đứng sau những tác phẩm nổi tiếng như Wolf Children (2012), The Girl Who Leapt Through Time (2006) và The Boy and the Beast (2015). Dù là fan hay non-fan của anime, chắc hẳn bạn cũng từng ít nhất một lần nghe đến những tựa phim trên rồi đúng không?
"Mirai: Em Gái Đến Từ Tương Lai".
Điều này vô cùng dễ hiểu, vì Mamoru Hosoda là một trong số khá ít những đạo diễn anime thành công ở cả thị trường nội địa lẫn quốc tế. Không giống như nhiều đồng nghiệp của ông, để đưa tên t.uổi của mình vượt ra khỏi lãnh thổ Nhật Bản, Hosoda đã sử dụng chiến thuật làm phim khá rõ ràng: Kết hợp phần hình ảnh đậm chất Nhật Bản (để khơi gợi sự tò mò, thích thú), cùng phần câu chuyện mang tính toàn cầu (để kích thích sự đồng cảm, dễ tiếp thu). Ông thường giữ cho câu chuyện phát triển ở một mức hẹp; xoay quanh những mối quan hệ gia đình, tình bạn, tình yêu t.uổi trẻ...; đặt trong bối cảnh hiện thực và "rắc nhẹ" yếu tố kỳ ảo đương đại. Điều này giúp lôi kéo một lượng lớn khán giả đi xem phim với nhu cầu giải trí, bởi họ thấy trong phim ông vấn đề của mình và có thể tạm thời giải quyết nó bằng một cách kỳ ảo nào đó. Do đó, phim của Hosoda thường được đón nhận vô cùng rộng rãi và mang lại thành công lớn về mặt thương mại.
Tuy nhiên, cách làm phim "yêu chiều" công chúng này của Hosoda đã khiến nhiều người hâm mộ anime lo lắng. Hosoda được tôn trọng vì ông là một trong số ít ỏi những nhà làm phim hoạt hình còn lại vẫn còn chú ý đến tính nghệ thuật của thể loại hoạt hình vẽ tay. Song, vì cố gắng cân bằng giữa mặt nghệ thuật và thương mại, Hosoda vẫn chưa có một bộ phim nào đặc biệt để "lưu danh hậu thế". Cộng đồng người hâm mộ anime vẫn chờ đợi ông, và với Mirai lần này, ông đã khiến không ít người cảm thấy vô cùng thất vọng. Bộ phim mới nhất của ông tiếp tục cố gắng cân đối giữa nghệ thuật và thương mại, nhưng thế cân bằng ông vốn giữ được trong những phim trước đã bắt đầu chòng chành. Và nếu Hosoda không sửa đổi, không chắc ông còn làm được phim hay nữa không.
Ý tưởng tốt, nhưng không phát triển tốt
Câu chuyện của Mirai xoay quanh một cậu bé 4 t.uổi tên Kun. Kun đột ngột "lên chức" anh trai sau khi mẹ cậu hạ sinh một b.é g.ái đặt tên là Mirai (Mirai có nghĩa là tương lai). Mọi chú ý của cha mẹ đổ dồn vào Mirai khiến Kun trở nên ghen tị. Mỗi lần cơn ghen bùng lên, cậu lại mếu máo chạy ra sân, và bỗng trong chớp mắt, cậu bị lạc vào những thế giới khác nhau từ tương lai đến quá khứ. Cậu lần lượt gặp gỡ những người thân trong gia đình mình như: em gái Mirai, mẹ, ông cố,... và thậm chí là chính bản thân mình. Qua mỗi lần phiêu lưu "xuyên không" như thế, cậu lại học được một bài học mới để trở thành một đ.ứa t.rẻ ngoan ngoãn hơn.
Về chủ đề, Hosoda không có gì để chê. Ông vẫn phát triển chủ đề gia đình quen thuộc, đặc biệt là một gia đình với những thế hệ gắn bó với nhau và gắn bó với những giá trị truyền thống của dân tộc. Ông cũng không quên sở thích làm ngược lại một định kiến nào đó, mà trong Mirai, ông lựa chọn miêu tả hình ảnh một gia đình Nhật Bản có chồng ở nhà chăm con cho vợ đi làm.
Hosoda là một người nhạy cảm, điều vốn đã được thể hiện trong mọi bộ phim của ông. Ông có đề cập đến những cảm xúc tiêu cực như nỗi buồn, lòng giận dữ, sự cô đơn,... nhưng bọc nó vào những lớp mềm mại tình yêu giữa người với người. Trong Mirai, sự nhạy cảm của ông còn được nâng lên một bậc, khi miêu tả nỗi buồn của một đ.ứa t.rẻ 4 t.uổi bình thường. Thật hiếm có, vì khi miêu tả nỗi buồn của con trẻ, thường người ta sẽ chọn một đ.ứa t.rẻ lớn hơn, và một nỗi buồn cũng lớn hơn (ví dụ như bị bỏ rơi, nghèo đói...). Ít ai lại nghĩ đến chuyện làm hẳn một bộ phim chỉ để xoay quanh chuyện một đ.ứa b.é ghen tị với đứa em mới sinh của mình. Phim ngắn thì được, nhưng phim dài thì là một thử thách quá khó khăn.
Hosoda chấp nhận thử thách đó. Và kết cục là, Mirai trở thành... một tập hợp những bộ phim ngắn. Nhược điểm "chết người" của Hosoda từ những bộ phim trước là câu chuyện bị phân tán, không tập trung, và đôi khi người xem còn bối rối không biết nhân vật chính là ai. Ông vẫn mắc lỗi này trong Mirai, và lần này còn khiến người xem dễ nản hơn vì câu chuyện không đủ kịch tính để bù đắp như những phim trước.
Lựa chọn nhân vật chính là một đ.ứa t.rẻ ở độ t.uổi không thể ngồi yên, Hosoda cũng "khai tử" những khuôn hình tĩnh tại mà ông đã sử dụng thành công ở những phim trước. Ông vẫn giữ phương thức cắt cảnh liên tục bằng màn hình đen, nhưng ở đây có lẽ là cho mục đích gây cười. Đó là còn chưa kể việc xen kỹ thuật 3D vào để miêu tả cấu trúc ngôi nhà và các đoàn tàu hỏa khiến vẻ đẹp thị giác của bộ phim bị giảm đi nhiều. Mirai quả là một bước lùi thật đáng tiếc của Hosoda.
Có được công chúng, đ.ánh mất chính mình
Như đã nói ở trên, người viết cho rằng Hosoda là một người tinh tế. Tuy nhiên, có lẽ vì việc cố làm hài lòng tất cả mọi người, đặc biệt là người xem quốc tế, ông đã khiến Mirai trở thành một sản phẩm nửa vời, "chân nọ chân kia".
Người viết chú ý đến sự tinh tế của Hosoda từ những cảnh quay chỉ dành để miêu tả chuyển động của những con bọ mùa hè trong The Girl Who Leapt Through Time. Trong Mirai, khán giả cũng bắt gặp lại một lần sự tinh tế này - khi bé Kun đưa tay hứng lấy những bông tuyết được đặc tả vẻ nhỏ bé và mong manh. Song, Hosoda cũng không buồn phát triển tiếp cái nhỏ bé và mong manh này nữa. Ông chỉ nối sự xuất hiện của bé Mirai ở cảnh sau, qua đó cho thấy được điểm chung của giữa tuyết và bé Mirai; nhưng ấn tượng nó tạo ra khá nhạt nhẽo khi đặt trong tổng thể bộ phim.
Không chỉ tuyết, nhiều chi tiết khác cũng thể hiện sự tinh tế của Hosoda nhưng đều bị ông bỏ lửng. Ví dụ như những trò chơi trẻ con (chỉ thể hiện rõ hai trò là "Ong chích" và "Bước trộm"), thế giới cổ tích của trẻ con (chỉ thể hiện rõ hai truyện là "Hansel và Gretel" và "Quỷ Bà Bà")... Nhiều nhân vật xuất hiện chỉ mang tính "cho có" như ông bà bé Kun, cậu của bé Kun... - ngoài mục đích thể hiện một gia đình lớn thì chẳng còn mục đích nào khác. Đây là những thứ đáng lẽ cần được phát triển thì lại bị "chiếm sóng" bởi những thứ lan man nhằm cố gắng giải thích cho người nước ngoài hiểu được truyền thống Nhật Bản (như đoạn nói về tục lệ trưng bày búp bê trong ngày b.é g.ái).
Hai hình ảnh được Hosoda tập trung phát triển nhất có lẽ là những chiếc tàu siêu tốc và cây sồi.
Những chiếc tàu siêu tốc - những chiếc tàu siêu tốc đồ chơi và những chiếc tàu siêu tốc trong thế giới kỳ ảo của bé Kun - có lẽ ám chỉ sự chuyển động của thời gian. Phim cũng có một đoạn miêu tả sự thay đổi mà thời gian gây ra, thông qua hình ảnh của các phương tiện giao thông như: ngựa, xe máy, tàu hỏa, tàu thủy, máy bay... (có lẽ lấy cảm hứng từ trường đoạn nổi tiếng trong Millennium Actress của Satoshi Kon). Thế nhưng cách xếp đặt những đối tượng này quá rời rạc để nó có thể tạo ra cảm giác về một dòng thời gian liên tục trôi nhanh.
Ngược với những chiếc tàu siêu tốc, cây sồi là biểu tượng cho một thứ "bất biến giữa dòng đời vạn biến". Người viết cho rằng trường đoạn gần cuối là trường đoạn tốt nhất của phim, khi thể hiện cây sồi với vai trò cột mốc mà con người dùng để đ.ánh dấu vị trí của mình trong dòng thời gian. Những người con của gia đình, ở bất cứ thời đại nào, khi thấy mình lạc lối trong xã hội nhiễu loạn thì chỉ cần tìm được nó, đứng dưới cái "cây cao bóng cả" ấy, là có thể nhận ra mình là ai.
Chốt lại, Mirai là một sản phẩm giải trí tốt, vì nó rất dễ thương và vui nhộn. Nó cũng đề cập đến nhiều vấn đề mà bạn có thể quan tâm như tâm lý trẻ con, khó khăn của các ông bố bà mẹ trẻ khi chăm sóc con thơ... Tuy nhiên, nó không thể hiện bất cứ sự tiến bộ nào của đạo diễn Mamoru Hosoda trong nghệ thuật kể chuyện; và con đường trở thành tác gia điện ảnh của ông đã bắt đầu lộ rõ lối mòn.
Trailer "Mirai: Em Gái Đến Từ Tương Lai"
Mirai: Em Gái Đến Từ Tương Lai khởi chiếu trên toàn quốc từ ngày 3/8.
Theo Trí Thức Trẻ
5 câu nói đầy triết lý trong "Mirai: Em gái đến từ tương lai" Mirai không đơn thuần là câu chuyện về tình anh em giữa cậu nhóc 4 t.uổi và cô em gái đến từ tương lai, mà ở đó còn có niềm hy vọng rằng tất cả các thành viên sẽ nhận ra hạnh phúc ẩn trong những điều nhỏ nhặt xung quanh. Đối với đạo diễn Mamoru Hosoda thì gia đình chính là điểm...
